La Escuela Española
Esta es la denominación que se da tanto a agrupaciones de artistas para su estudio como a instituciones formalmente constituidas:
·
Pedro
Berruguete (Paredes de Nava, Palencia 1450 - 1503)
fue un pintor español, situado en la transición del estilo gótico a
la pintura renacentista.
Tras su formación, probablemente con Fernando Gallego en Salamanca, habría viajado muy joven a Italia, donde se documenta a «Pietro Spagnuolo» trabajando bajo el mecenazgo del duque de Urbino, Federico de Montefeltro. Esa estancia italiana le habría permitido conocer a los principales artistas del Quattrocento, como Melozzo da Forlì, y aprender las técnicas y maneras renacentistas, como el dominio del espacio, la anatomía o la variedad y naturalidad en los gestos, además de los elementos arquitectónicos y decorativos propios del Renacimiento, aunque de regreso a Castilla, hacia 1483, estas características no se muestren tan evidentes en su pintura.
Fue
padre de uno de los artistas más destacados del Renacimiento hispano, Alonso Berruguete.
Presunto
autorretrato de Pedro Berruguete (Museo Lázaro Galdiano, Madrid).
Las Obras de Pedro Berruguete
Auto de Fe presidido por
Santo Domingo de Guzmán
La modernidad de Berruguete a la hora de
disponer los escenarios y su capacidad para narrar a través de la pintura son
las que otorgan relevancia a esta obra.
Museo Nacional del Prado (Madrid)
Los pretendientes de la
Virgen
El pintor Pedro Berruguete representa una
historia sobre la Virgen María, anterior al nacimiento de Cristo.
Museo Diocesano de Arte (Palencia)
·
Alonso
González Berruguete (Paredes de Nava, c.1490-Toledo, 1561)
fue un escultor español, hijo del pintor Pedro Berruguete y uno de los referentes fundamentales de la escultura española del Renacimiento. También realizó obras pictóricas.
La colección más importante de su obra se encuentra en
el Museo Nacional de Escultura de Valladolid.
Estatua de Alonso
Berruguete (h.1490–1561) junto a la entrada del Museo
Arqueológico Nacional de España, en Madrid. Esculpida en mármol blanco de
Italia por José
Alcoverro y Amorós (1835–1910) en 1892
_01.jpg/220px-Alonso_Berruguete_(por_Jos%C3%A9_Alcoverro)_01.jpg)
Obras de Alfonso Berruguete
Adoración de los Reyes
Magos
Es uno de los relieves más bellos del retablo
en el que se encuentra. De estilo manierista, debido al dominio de la
figuración sobre el vacío y a la densidad de elementos en un espacio mínimo.
Museo Nacional de Escultura (Valladolid)
San Sebastián
Museo Nacional de Escultura (Valladolid)
·
Joan Josep
Ribera y Cucó (Játiva, España; 17 de febrero de 1591 - Nápoles, Italia; 3 de septiembre de 1652), conocido en español como José de Ribera, fue un pintor, dibujante y grabador español del siglo XVII, que desarrolló toda su carrera en
Italia, inicialmente en Roma y posteriormente en Nápoles. Fue también conocido por
su nombre italianizado Jusepe
Ribera y por el apodo Lo
Spagnoletto («El Españolito») debido a su baja estatura y a
que reivindicaba sus orígenes, siendo común que firmara sus obras como español,
valenciano y setabense, o bien simplemente como español. En ocasiones lo hizo
empleando la terminología latina «Josephus Ribera. Hispanus. Valentinus.
Setaben. (o Civitatis Setabis)», a lo que en ocasiones añadió «accademicus
Romanus», y sobre todo «Partenope», en alusión a
su lugar de residencia.
Cultivó un
estilo naturalista que
evolucionó del tenebrismo de Caravaggio hacia una estética más
colorista y luminosa, influida por Van Dyck y otros maestros. Contribuyó a forjar la gran escuela
napolitana (Giovanni Lanfranco, Massimo Stanzione, Luca Giordano...), que le reconoció como su maestro indiscutible; y sus
obras, enviadas a España desde fecha muy temprana, influyeron en técnica y
modelos iconográficos a los pintores locales, entre ellos Velázquez y Murillo. Sus grabados circularon por media Europa y consta que
hasta Rembrandt los conocía. Autor prolífico y de éxito comercial, su
fama reverdeció durante la eclosión del realismo en
el siglo XIX; fue un referente imprescindible para realistas como Léon Bonnat. Algunas de sus obras fueron
copiadas por pintores de varios siglos, como Fragonard, Manet, Henri Matisse y Fortuny, entre otros.
Joan Josep
Ribera y Cucó
·
Diego Rodríguez
de Silva y Velázquez (Sevilla, bautizado el 6 de junio de 1599-Madrid, 6 de agosto de 1660), conocido como Diego Velázquez, fue un pintor barroco español considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal.
Pasó sus primeros años en Sevilla, donde desarrolló un
estilo naturalista de
iluminación tenebrista, por influencia de Caravaggio y sus seguidores. A los 24 años
se trasladó a Madrid, donde fue nombrado pintor del rey Felipe IV y
cuatro años después fue ascendido a pintor de cámara, el cargo más importante entre los pintores de la corte. A
esta labor dedicó el resto de su vida. Su trabajo consistía en pintar retratos del rey y de su familia, así como otros cuadros
destinados a decorar las mansiones reales. Su presencia en la corte le permitió
estudiar la colección real de pintura que, junto con las enseñanzas de su
primer viaje a Italia, donde conoció tanto la pintura antigua como la que se
hacía en su tiempo, fueron influencias determinantes para evolucionar a un estilo
de gran luminosidad, con pinceladas rápidas y sueltas. En su madurez, a partir
de 1631, pintó de esta forma grandes obras como La rendición de Breda. En su última década su estilo se hizo más esquemático
y abocetado, alcanzando un dominio extraordinario de la luz. Este período se inauguró con el Retrato del papa Inocencio X, pintado en su segundo viaje a Italia, y a él pertenecen
sus dos últimas obras maestras: Las meninas y Las hilanderas.
Velázquez se
autorretrató, pintando, en 1656 en su cuadro más emblemático: Las meninas. En
las mangas de su vestido y en su mano derecha se aprecia su estilo final rápido
y abocetado. En su paleta distinguimos los pocos colores que utilizaba en sus
pinturas. La cruz de la Orden de Santiago que lleva en el pecho fue añadida al
cuadro posteriormente.
Obras de Ribera
La Vieja Friendo Huevos-1618- Galería Nacional de Escocia, Edimburgo
El Aguador de
Sevilla-1620-Galería Waterloo, Apsley House
Con data aproximada de 1620, la obra es una de las creaciones que exhibe los principios de las técnicas más maduras del joven Velázquez, esta refleja una impresionante paleta que procura la fidelidad y la precisión en la representación de otro episodio cotidiano de la Sevilla que le veía crecer, asimismo, son claras las influencias de sus primeros preceptores respecto al tema de los bodegones, los cuales revoluciona empleando técnicas y temas que magistralmente reflejaron su aprecio hacia lo humano.
El triunfo de Baco o Los Borrachos-1628-Museo del Prado, Madrid
Otra de las creaciones del artista
consideradas como de su primera época o etapa Sevillana, a pesar de haberla
concretado recién llegado a Madrid en el año 1628, con clara influencia Barroca
es una nítida manifestación de temas humanos, permanece el bodegón tras una
solapada naturaleza muerta que resalta la iluminada figura de Baco, que sobre
una barrica de vino se los ofrece a los hombres para aliviarles de su
sufrimiento, una obra vívida casi fotográfica, una invitación al festín.
Cristo Crucificado-1632-Museo del Prado, Madrid
Basado en la opinión de su suegro,
Velázquez crea un Cristo clavado a la cruz por medio de cuatro clavos, la
magistral representación corporal que hace de la figura de Cristo, es producto
de su primer viaje a Italia, en este, tuvo la oportunidad de profundizar en el
desnudo estudiando las pinturas y esculturas de grandes artistas clásicos de la
época. Sorprende el uso del claroscuro con el que crea efectos que resaltan la
figura de Jesús de manera magnánima.
·
Juan de Valdés Leal (Sevilla, 1622-1690) fue un pintor barroco español activo en Córdoba y
Sevilla. Artista fecundo y de poderosa inventiva, pero desigual en el acabado
de sus obras, es conocido fundamentalmente por los dos «jeroglíficos de
las postrimerías»
pintados hacia 1672 para la iglesia del Hospital de la Caridad de Sevilla,
donde aún se conservan. Relacionadas con el muy barroco tema de la vanitas,
extendido por la mayor parte de Europa, las alegorías Finis
gloriae mundi (El fin de las glorias mundanas) e In
ictu oculi (En un abrir y cerrar de ojos) ilustran el
pensamiento de Miguel
de Mañara, renovador de la Hermandad de la Santa Caridad, según lo
dejó escrito en su Libro de la Verdad, además de completar el
programa iconográfico de
la capilla, integrado por el Santo Entierro del retablo mayor
y la serie de las «obras
de misericordia» pintadas por Murillo, con las que forman un conjunto coherente. No obstante, lo
macabro de su asunto —y la fuerte personalidad del pintor— resultaron
perjudiciales para su fama póstuma y facilitaron que se le acabase atribuyendo
cualquier pintura en la que apareciese un cadáver en descomposición o la cabeza
cortada de un santo, incluso si se trataba de pinturas de calidad ínfima.
Convertido en «pintor de los muertos», como lo llamó Enrique
Romero de Torres, parecían convenirle todos los asuntos
lúgubres y repulsivos, al tiempo que con tintes románticos se agrandaba y hacía
más profunda la rivalidad con Murillo, su contemporáneo, al suponerse a Valdés
un temperamento iracundo y soberbio opuesto al pacífico carácter de su rival.
Autorretrato. Aguafuerte. Madrid, Biblioteca Nacional de
España. Antonio Palomino, que lo conoció en 1672, lo describe «de mediana
estatura, grueso, pero bien hecho, redondo de semblante, ojos vivos, y color
trigueño claro».
Fecha: 1682;
Spain
Estilo: Barroco
Género: pintura
religiosa
Localización:
Museo del Prado
The Conversion and Baptism of St.
Augustine by St. Ambrose
Juan de Valdés Leal
Fecha: 1673;
Spain
Estilo: Barroco
Género: pintura
religiosa
Media: óleo,
canvas
Localización:
Museo de Arte de San Luis
Virgin of the Immaculate Conception
with Sts Andrew and John the Baptist
Juan de Valdés
Leal
Fecha: 1672;
Spain
Estilo: Barroco
Género: pintura
religiosa
Media: óleo,
canvas
Localización:
Museo de Bellas Artes de Sevilla
·
Francisco José de Goya y Lucientes (Fuendetodos, 30 de marzo de 1746-Burdeos, 16 de abril de
1828)a fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de
caballete y mural, el grabado y el dibujo. Su estilo evolucionó desde el
rococó, pasando por el neoclasicismo, hasta el prerromanticismo, siempre
interpretados de una forma personal y original,2 y siempre con un rasgo
subyacente de naturalismo, del reflejo de la realidad sin una visión idealista
que la edulcore ni desvirtúe, donde es igualmente importante el mensaje ético.
Para Goya la pintura es un vehículo de instrucción moral, no un simple objeto
estético.3 Sus referentes más contemporáneos fueron Giambattista Tiepolo y
Anton Raphael Mengs, aunque también recibió la influencia de Diego Velázquez y
Rembrandt.4 El arte goyesco supone uno de los puntos de inflexión que entre
los siglos xviii y xix anuncian la pintura contemporánea y es precursor de
algunas de las vanguardias pictóricas del siglo xx, especialmente el
expresionismo;45 por todo ello, se le considera uno de los artistas españoles
más relevantes y uno de los grandes maestros de la historia del arte mundial.
Retrato del
pintor Francisco de Goya (1826), por
Vicente López, Museo del Prado, Madrid.
Obras de
Francisco de Goya
La maja
desnuda, 1797-1800
En 1797, Goya comenzó a pintar una de sus obras más
controvertidas: La maja desnuda. Como sugiere su título, esta pieza muestra a
una maja–denominación que se daba a algunas mujeres de clase baja en Madrid–
posando completamente desnuda. Si bien muchos artistas a lo largo de la historia
ya habían retratado a mujeres desnudas, el contexto de esta pintura la hacía
particularmente inusual.
Sin trasfondos mitológicos, alegóricos o históricos, La maja
desnuda es protagonizada por una mujer de la época que posa despreocupadamente
sin ropa. Si bien no se sabe mucho de los orígenes de esta pieza, los
historiadores creen que fue comisionada por Manuel de Godoy, secretario de
estado español, para que formara parte de su colección privada de desnudos.
La maja desnuda fue confiscada durante la Inquisición
española. Desde entonces ha formado parte de las colecciones de la Real
Academia de Bellas Artes de San Fernando y Museo del Prado, donde permanece
hasta hoy.
La maja
vestida, 1798-1805
Cinco años después de terminar La maja desnuda,
Goya completó su contraparte, La
maja vestida. Esta obra de arte tiene el mismo sujeto, composición y
pose. Sin embargo, en este caso, la maja está vestida.
La ropa, aunque obvia, no es la única diferencia entre las
dos pinturas. En La maja vestida, la figura y su cama ocupan más
espacio en la composición. Aunque se trata de un cambio aparentemente pequeño,
puede haber sido intencionado: este arreglo transmite una sensación de
confianza que contrasta con la naturaleza tímida de la versión desnuda.
La diferencia es particularmente evidente cuando se ven las
piezas una al lado de la otra en el Prado.
La familia de Carlos IV, 1800-1801
En 1799, a la edad de 53 años, Goya se convirtió en el primer
pintor de cámara, la posición más prestigiosa que podía tener un pintor de
la corte española. Siguiendo el enfoque de Diego Velázquez, quien también fue
pintor de cámara, Goya fue reconocido por su habilidad para capturar la
apariencia de sus sujetos a la perfección.
Aunque Velázquez trató de pintar a sus sujetos de una manera
realista y positiva a la vez, Goya no fue tan generoso con sus valoraciones. En
sus pinturas cortesanas, como la de La familia de Carlos IV, el pintor presentó detalladamente los
defectos de las figuras, ofreciendo una mirada rígida y escenificada a una
familia opulenta.
Aunque este enfoque a la hora de pintar a la familia real
distingue a Goya de Velázquez, es evidente el artista fue una fuente de
inspiración. Al igual que en Las Meninas,
la pintura real más famosa de Velázquez, La familia de Carlos IV incluye
un autorretrato del artista frente a su caballete
·
José Romano Gutiérrez-Solana y
Gutiérrez-Solana (Madrid, 28 de febrero de 1886 - ibídem, 24 de junio de 1945), conocido como José
Gutiérrez-Solana, fue un pintor, grabador y escritor expresionista español
José Gutiérrez Solana nació en Madrid en 1886 y murió en esta
misma ciudad en 1945. Se le considera el creador de un Expresionismo peculiar y
trágico.
A los catorce años ingresó en la Real Academia de San Fernando.
Después permaneció varios años en el extranjero y en 1919 se instaló de nuevo
en Madrid. Estudió al pueblo madrileño profundamente, como podemos comprobar en
sus cuadros y en sus escritos, en los que retrata la España del momento.
No obstante, a pesar de la notable originalidad de sus obras,
posee influencias de algunos pintores españoles tradicionales como Valdés Leal,
Ribera, Goya, Zurbarán, EI Greco y el primer Velázquez, sin olvidar la
producción de Brueghel el Viejo.
Su pintura es de gran solidez. La pastosidad es algo
característico en sus trabajos. Independientemente de los colores que utilice,
la materia siempre es tratada con gran sensualidad y ternura, siendo los
colores dominantes el ocre y el negro.
Obras de José Romano Gutiérrez-Solana
y Gutiérrez-Solana
La tertulia del Café Pombo (1920).
Refleja una de las reuniones de intelectuales típicas en las tres primeras décadas del siglo XX. La acción se desarrolla en un café madrileños, el café Pombo.
Es un retrato múltiple
de muchos de los intelectuales de la época, como Manuel Abril, Tomás Borrás,
José Bergamín, José Cabrero, Mauricio Bacarisse, Pedro Emilio Coll, Salvador
Bartolozzi, incluyéndose él mismo entre ellos. Destaca la sobriedad de los
retratados y los colores oscuros que utiliza, tan característicos del artista.
Las coristas (1921).
En esta escena, Solana muestra su visión personal de los ambientes que tanto le gusta reflejar: los momentos cotidianos, las costumbres de los barrios bajos, tabernas y espectáculos.
Exhibe escenas
cotidianas retratando rostros anónimos para darles vida y expresión.
La visita del
obispo (1926).
Sigue con la
misma línea de colores oscuros y sobriedad de los rostros. El tema de la
composición, una vez más es el reflejo de una situación cotidiana en la España
de la época, que de tan diversas formas nos la presenta Solana a lo largo de su
carrera.
·
Pablo Ruiz
Picasso (Málaga, 25 de octubre de 1881-Mougins, 8 de abril de 1973) fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque, del cubismo.
Es considerado desde la génesis del siglo xx como uno de los mayores pintores
que participaron en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el
mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo.
Sus trabajos están presentes en museos y colecciones de toda Europa y del
mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo,
el grabado, la ilustración de
libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales. También tiene una breve
obra literaria.
Obras de Picasso
La vida, 1903
Muchacho con
pipa, 1905
Autorretrato,
1907
Las señoritas
de Aviñón, 1907
Aquí unos videos informativos Sobre la Escuela Española
Documental sobre la escuela sevillana de pintura, la más importante de
España
DIEGO VELAZQUEZ Pintor de Pintores ESCUELA BARROCA ESPAÑOLA
La escuela andaluza de escultura
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Algunas
Referencias Bibliográficas
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/valdes.htm
http://www.xn--espaaescultura-tnb.es/es/artistas_creadores/juan_valdes_leal.html
http://www.xn--espaaescultura-tnb.es/es/artistas_creadores/alonso_berruguete.html
http://www.xn--espaaescultura-tnb.es/es/artistas_creadores/alonso_berruguete.html
https://www.carmenthyssenmalaga.org/en/obra/coristas
https://mymodernmet.com/es/francisco-de-goya-pinturas/
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